¿Qué es la belleza?

ALGO DE ESTÉTICA.

¿Qué es la belleza?

La belleza en al arte, es estudiada por la estética y la estética, para definir  el concepto de belleza, se basa en modelos que predominan en un período histórico especifico. Sin embargo el concepto de belleza puede variar cuando lo hacemos desde nuestro punto de vista,  al preferir formas, colores y/ o espacios específicos.

Cuando una creación logra estimular los valores sensoriales e intelectuales del observador, se habla de una belleza artística

Antiguamente, (hasta finales del siglo XIX) por efecto de la deficiente comunicación, el lento traslado de un lugar a otro y  la hegemonía de un pensamiento, el concepto de belleza se entendía como uno solo.

Aproximadamente, entre el 22.000 y el 20.000 A.C, se realizó la Venus de Willendorf. (Fue hallada en 1908 a orillas del Danubio) En ellas destacan sus partes asociadas a la procreación, senos, nalgas y caderas voluminosas; era necesario una descencia abundante para sobrevivir a las inclemencias del ambiente. En este ejemplo el concepto de belleza, esta ligado a una función especifica.

Aproximadamente, del 2.700 al 2.200,   el llamado Egipto antiguo favorece distintas representaciones artísticas que se  limitan a los faraones y súbditos cercanos; se les ve en rituales religiosos, escenas de banquetes   o ritos funerarios. La belleza se asocia a los rasgos idealizados del faraón, cuerpos simétricos e  inexpresividad del rostro. Existía una  religión politeísta, en la cual, las divinidades se representan en figuras humanas con algunos símbolos o con cabeza de animales. Los egipcios  creían en  algo espiritual, que acompañaba al cuerpo de las personas y que era inmortal; el Ba,  el cual  se representa bajo el aspecto de un pájaro con cabeza humana . “El Ba es el principio, el soplo vital del hombre, su energía”(1). Los egipcios seleccionaron animales de su entorno y les  dieron características divinas, por ejemplo, el  halcón fue ligado  a  la realeza. El gato representó a la diosa Bastet, simbolizaba lo benéfico del calor del sol. El escarabajo asociado con Jepri, Dios que simboliza la resurrección.  El chacal asociado con Anubis, el dios del embalsamamiento y momificación; se representa como un chacal de color negro o un hombre con cabeza de chacal.

Los griegos fueron los primeros  en considerar la belleza como un motor para el placer espiritual, al margen de lo funcional. Basando sus cánones  en simetría, el orden y la proporcionalidad de las partes con el todo.  Un ejemplo,  es la escultura en bronce llamada Doríforo  hecho por Policleto, existen varias copias en mármol  de la época romana.

Fue encontrada en el siglo XV en la villa pompeyana, Italia,   muy deteriorada; le faltaba el brazo derecho y el antebrazo izquierdo; en los muslos tenía graves deterioros y en el pie derecho le faltaban varios dedos, pero su reconstrucción se considera fiel gracias a la comparación realizada sobre un camafeo(2) original romano de la misma figura con la que se apreciaba una notable identidad.

Es la obra más famosa esculpida por Policleto, pues en ella el artista griego concretó el canon de belleza, de 7 cabezas, considerada como el modelo de proporciones del cuerpo humano y la plasmación práctica del sistema de proporciones. La cabeza tiene la medida justa (una séptima parte de la altura total).

En el  arte romano( siglo III A.C  - siglo V D.C.)  inspirado en los cánones griegos, tuvo una gran importancia el culto a los antepasados; se inmortabilizaban a los grandes personajes públicos. También  contribuyo en el trabajo de retratos , logrando gran maestría en el desarrollo de la técnica y expresividad.

El arte bizantino( Imperio Romano Oriental), se destaco por el uso del mosaico,( pedazos de vidrio, piedras, cerámica que se adosan a la superficie mediante un adhesivo y forman distintas figuras). Si bien el mosaico ha sido utilizado en distintas culturas, es en  el arte bizantino donde se masifica. Las figuras humanas en el arte bizantino, se presentan en posición rígida y estereotipadas, lo que no permite la caracterización personal de ellas de acuerdo al modelo.

En este período alcanza gran difusión  la iconografía; adoración de un imagen sagrada en cualquier soporte.

En el Renacimiento, se desarrolla  la concepción heroica del ser humano, el tema religioso y mitológico, se representan los cuerpos en una expresividad que persigue una forma “perfecta”, (según los cánones griegos).  Un ejemplo de esto es el “David” de Donatello, “El Moises”, de Miguel Ángel que representa un  héroe de potente anatomía, junto a un gesto enojado y profunda mirada, o “Perseo”  de Bervenuto Cellini, que en una actitud desafiante, muestra el triunfo ante medusa, con la cabeza de ella en su mano. En el área del dibujo se logran significativos avances, gracias a  los aportes de Leonardo Da Vinci; en el área de la perspectiva y del estudio del cuerpo humano.

En el siglo XVII, Llamado el siglo de Oro, en Europa,  se produce un desarrollo de distintas disciplinas; se publica el  “Quijote” de Cervantes, Galileo Galilei ofrece aportes en astronomía y Descartes propone un quiebre al oponerse a la escolástica.

En el arte “la iglesia fue quien demandó mayor cantidad de pinturas, concebidas con el fin de llamar a la devoción” (3).  Es una religiosidad de una emotividad intensa, “dominada por lo sobrenatural”(4). Con este contenido Velásquez,  propone un naturalismo , que gusta de  los colores terrosos, con figuras de gran  volumen “La fragua de Vulcano”. Pablo Rubens (1577-1640). Propone una incesante y desbordante cascada de formas y colores. Predominan las líneas curvas y el rico trabajo en la luminosidad,  de sus voluptuosos desnudos.”Las tres gracias”. Esta pintura se basa en la  mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres. Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) yTalia (‘Floreciente’).

En América, la influencia barroca se hace sentir y el arte es utilizado para una concientización religiosa  “para el caso chileno, tenemos en el siglo XVIII la llegada a Santiago de un numeroso grupo de artistas y artesanos jesuitas de origen húngaro y alemán (la mayoría bávaros), a cuya cabeza estaba el padre Haymbhaussen, quienes se establecieron en los alrededores de Santiago” (5).Se debe considerar que en aquel período el trabajo manual o artesanal, tanto en Europa  y por lo tanto en América,   no era desarrollado por nobles, por considerarlo de baja categoría y en este segmento estaban pintores y escultores, que dependían de la “buena voluntad” de los que tenían el poder económico, para desarrollar su trabajo.

La revolución francesa de 1789, tuvo una importante influencia en el arte francés.

El período neoclásico Francés  se destaca con Jacques-Louis David, influenciado por el culto a la antigua Roma que ofrecían los intelectuales de la época. Se buscaba resaltar el heroísmo y el patriotismo. Este valores hacen que Jacques-Louis David, simpatice con Napoleón. “La estética neoclásica está marcada por un esfuerzo incesante por alcanzar la perfección del ideal absoluto”.(6) y en la pintura “La coronación de Napoleón” (1806- 1808) se grafica este punto de vista. Otro pintor francés, Jean- Auguste- Dominique Ingres(1780-1867)busca la forma perfecta de encarnar la belleza, con su pintura, “La bañista de Valpincon” (1808).

Con Francisco  de Goya (1746-1828) el concepto de belleza se aleja radicalmente del cuerpo femenino y masculino. Representa la vida diaria con emoción, desmenuzando la realidad a la cual pertenece, llena de  precarias y violentas condiciones humanas. La estética, en este caso, se logra por el uso del color, la atmósfera, y el movimiento de los elementos que componen  la obra. (El 3 de mayo de 1808, Saturno devorando a uno de sus hijos).

Posteriormente el Romanticismo propone la superioridad del sentimiento sobre la razón, exaltando la sensibilidad, la imaginación de las artistas. Gracias a esto la  producción artística, no trabaja por encargo, sino, por la orientación de la imaginación del artista. Si en el Renacimiento la Humanidad está sobre la naturaleza, en el Romanticismo, el orden natural está sobre la humanidad y debido a este pensamiento se representan figuras  en episodios dramáticos acompañados por iglesias en ruinas, naufragios, masacres o locuras

“Si el cuadro lo requiere, no evitan pintar personas heridas, deformes o muertas, llegando a recurrir al depósito de cadáveres para poder conocer y reflejar más verosímilmente a los muertos; así lo hizo Géricault cuando pintó La balsa de la Medusa”.(7).

Las ideas sociales que predominan en el siglo XIX, considerando a los marginados como un motor de cambio, influyen  las reproducciones artísticas, así, el francés Jean-Francois Millet (1814-1875) representa a  campesinos,  con humildad y dignidad moral. Logra dar un ambiente solemne, gracias al color, el trabajo de la luz y la ubicación de los personajes.

En este caso el valor estético consiste en la emotividad que logra traspasar más allá de la tela, lo emotivo y  digno de la clase trabajadora. “El Ángelus”.

La estética pasa de algo figurativo al color, de  Van Gogh,  y  su obsesión por el amarillo.

“El pensador”, símbolo de la escultura de Rodín. Aglutina todas las características del autor. La escultura llega a traspasar su sentido literario (ya que en su origen es el retrato del poeta Dante que se ve afectado por todo lo que está viendo). Se trata de un hombre sentado, reclinado, con la cabeza ladeada hacia abajo, en una postura de pensamiento, pasividad, soledad, preocupación, etc. Para ello, Rodin se inspiró en obras ya existentes (como el Moisés  de Miguel Ángel) Rodin va más allá de la representación “idealizada de una persona para transmitirnos sentimientos, algo más universal y profundo (soledad, preocupación del hombre por el devenir del ser humano) toda una carga psicológica importante”(8). El pensador está  hecho  en bronce.

Con el Cubismo del siglo XX, la forma de la figura humana se representa geométricamente, debido al intento de representar varias vistas en un primer plano, no existe profundidad.

El artista ya no representa los sentimientos o emociones sino un concepto netamente racional de la realidad que lo rodea. Un ejemplo es la pintura “Las señoritas de Aviñón.

(1907), de Pablo Picasso (1881-1973).

El consumo masivo, la producción en serie y los distintos ídolos que conviven con la publicidad van promocionando un arte que selecciona símbolos del momento, asociados  a la cultura de masas y los expone, repetidamente como su fuese una producción en serie, el artista Andy Warhol (1928- 1987), con  la producción Marilyn Monroe 1967 es un ejemplo de esto.

Actualmente conviven distintas tendencias artísticas, pero al margen de la variedad, todas buscan representar la relación de las personas con su entorno, sin importar nación, poder económico, edad, opción sexual, origen, es decir, es transversal e inherente a la humanidad.

(1)Enciclopedia del arte.

(2)Relieve hecho en piedra de alta dureza, que tiene un valor comercial , por ejemplo el ágata.

(3)Enciclopedia del arte.

(4)Idem.

(5)www.profesorenlinea.cl.

(6)Idem.

(7)Enciclopedia del arte.

(8)Historia del siglo XX. Eric Hobsbawm.